Section I: Internationality, Transculturality, Musicology
Part 1
Wednesday, 3rd November 2010
9.00 am - 12.00 pm
Program
09.00 Sammeln und Musizieren in der späten Renaissance. Zur Rekonstruktion
der Musikbibliothek des Christoph Leibfried (1566-1635)
Luigi Collarile
09.30 Die Entstehung der griechischen Kunstmusik unter dem Einfluss
italienischer Vorbilder
Ioannis Papachristopoulos
10.00 Kavaliersreisen und Musiktransfer
Margret Scharrer
10.30 Coffee break
11.00 Tatort Dresden. Deutsche Romantik und Italianità zu Beginn des 19.
Jahrhunderts
Christoph Koop
11.30 Kultureller Austausch im 19. Jahrhundert – Betrachtungen eines
gattungsgeschichtlichen Phänomens
Katharina Steinbeck
12.00 Walter Benjamin, Johann Wilhelm Ritter und die Musik
Burkhard Meischein
Part 2
Wednesday, 3rd November 2010
3.00 - 5.00 pm
Program
15.00 Le raffigurazioni musicali nella »Tomba del Tuffatore« di Poseidonia
(Paestum) (V sec.a.C.)
Angela Bellia
15.30 Modality of interaction between text and music in »Roman cantatas«
during the seventeenth century
Tiziana Affortunato
16.00 Ästhetische Rezeption und Fragmentierung um 1800. Mignon und
Margarete in Malerei und Musik
Dominik von Roth
16.30 Coffee break
17.00 Vom Hören und Zuhören. Ein Weg zu elektroakustischer Musik
Motje Wolf
17.30 Der Computer als Musikinstrument: Musikpraxis und Musikforschung in der
digitalen Mediamorphose
Andreas Möllenkamp
Part 3
Friday, 5th November 2010
9.00 am - 12.30 pm
Program
09.00 Elemente griechischer und arabischer Musik im Spanien der drei Kulturen
Esther Morales-Canadas
09.30 Musik zwischen Missionierung und staatlicher Propaganda. Der Einfluss der
portugiesischen Musikkultur in Südostasien im 16. und 17. Jahrhundert
Christian Storch
10.00 Tendenzen zeitgenössischer Musik in Portugal in der zweiten Hälfte des
20. Jahrhunderts
Gilbert Stöck
10.30 Coffee break
11.30 Zwischen Musik und Geräusch: Szenen vom Sound der Schlacht, Teil 1
Stefan Gasch
12.00 Zwischen Musik und Geräusch: Szenen vom Sound der Schlacht, Teil 2
Rebecca Wolf
Part 4
Friday, 5th November 2010
3.00 - 6.00 pm
Program
15.00 Parallelwelten? Das Eigene und das Fremde in der Musik Koreas
Hyesu Shin
15.30 Per »Rezeption« ad »Evolution« in Werken koreanischer Komponisten
In Shun Shin
16.00 Untersuchungen zu Veränderungen im Tonsystem der traditionell
koreanischen Musik und deren Auswirkungen auf ihre Zukunft
Oyeon Kwon
16.30 Coffee break
17.00 Gegenwart und Zukunft der schulischen Musikerziehung in Korea –
dargelegt am Beispiel der Lehrpläne für die Primar- und Sekundarstufen
Hee Ju Ham
17.30 Suche nach einer neuen Identität – Musikforschung im Korea des 21.
Jahrhunderts
Hee Sook Oh
Part 5
Friday, 5th November 2010
3.00 - 6.00 pm
DHI, Musikgeschichtliche Abteilung, Lesesaal
Program
15.00 Adaptionen der jamaikanischen Ska-music durch die Subkultur der
Skinheads in Großbritannien
Daniel Siebert
15.30 Der Niedergang der Klassikindustrie!?! – Eine Bestandsaufnahme
Martin Lücke
16.00 Mobile Musik: theoretische und mediengeschichtliche Umrisse
Nils Grosch
16.30 Coffee break
17.00 Wie Emotion Struktur formt. Zur Sprachverwendung in früher
elektronischer Musik in Italien
Nora Krahl
17.30 Deutschsprachige Musikwissenschaft und New Musicology. Aspekte einer
transatlantischen Kommunikationsverweigerung
Andreas Domann
Abstracts
Luigi Collarile (Fribourg): Sammeln und Musizieren in der späten Renaissance. Zur Rekonstruktion der Musikbibliothek des Christoph Leibfried (1566-1635)
This paper aims to present the first issues of a research project that intends to investigate the music collection of Christoph Leibfried (1566-1635). The German jurist collected music – especially Italian prints of vocal or keyboard music – from his stay in Tübingen (1587-1597). After Leibfried’s death his library was bought by the aristocratic from Basel Remigius Faesch. In 1823 the library of Faesch’s family was transferred in the newly established Universitätsbibliothek of Basel. But the unity of the collection was not preserved. The reconstruction of Leibfried’s music collection allows to investigate an interesting example of the bourgeois praxis to collect and to perform keyboard music in south Germany towards 1600. The investigation on the typology of the collected repertoire points out the importance of Leibfried’s collection and its implications in a project as the publication of Johann Woltz’s Nova Musices Organicae Tabulatura, printed in Basel in 1617.
Ioannis Papachristopoulos (Wuppertal): The establishment of Greek art music under the influence of Italian paragons
The beginnings of the Greek art music can be localized at the islands of the Ionian Sea, when –at the end of the 18th century– a heyday of musical activity took place. The geographical and political situation of these islands had contributed to the fact, that here for a long time the Greek culture was in intensive contact with the Italian. The composers obtained their musical education exclusively in the major Italian centers of music as for example in Napoli, Bologna or Milano and they followed in their works the models of the Italian music. But at the same time they tried to associate elements of the Greek musical custom with material-technical and compositional resources they took out of the current Italian music. In addition they turned in their Western-oriented-works to Greek themes and language. Although they were not really successful in giving their music a typical Greek physiognomy it can’t be denied that they were precursors and pioneers; they laid the foundation of the later constitution of the Greek National-School, when in the second half of the 19th century the Ionian culture melted into the musical traditions of the Greek mainland whose roots can be found in the Byzantine culture.
Margret Scharrer (Halle): Grand tour and transfer of music
Journeys have always been an important element in the lives of young musicians. One of the most famous musician travellers certainly was Wolfgang Amadeus Mozart, who spent a major part of his childhood and youth in coaches. Although it is commonly known not only with regard to Mozart, that journeys could generate great influences on musicians’ and composers’ creative production and professional careers, seemingly there has not been much research on this topic still, and this has been pointed out at various occasions. After all, by now there seems to be a growing interest in journeys and travelling, as demonstrated e.g. by a recently created research program of the DHI and the École française de Rome. It is the purpose of this paper to focus on the noble grand tour and to outline some implications for musical culture c. 1650 – 1750. Some general questions shall be exemplified by selected princes’ journeys, esp. those of the princes of Bavarian Wittelsbach and the Saxonian-Polish Wettin houses: a) what musical events the young travellers visited, and what may have been the impressions these had on the princes, b) to what degree did the princes accomplish a special musical training, c) did they choose special destinations for musical reasons, d) were they accompanied by court musicians, e) did they acquire music or instruments, f) how important at all was music during the journeys, and finally g) are there any consequences determinable in the musical cultures of the patrimonial courts after return? The paper is based on the evidence from letters and diaries composed either by the princes themselves or by fellow travellers, e.g. stewards. Furthermore, this paper focusses on musical aspects in written instructions by the princes’ fathers, bills from the courts, musical collections, memoirs, and 18th century vitae of musicians.
Christoph Koop (Dresden): Tatort Dresden. Deutsche Romantik und Italianità zu Beginn des 19. Jahrhunderts
Sachsen stand um 1810 nicht nur zwischen napoleonischen und alliierten Fronten. Hinsichtlich der Musik bot die Residenzstadt Dresden und der sächsische Hof als sichere und hervorragende Insel der lebendigen italienischen Operntradition selbst Konfliktpotenzial seit dem Amtsantritt Carl Maria von Webers und der Eröffnung eines »deutschen Départements«“ im Jahr 1817. Zwischen höfischer Tradition und neuer Bürgerlichkeit wurden in der nationalbestimmten Geschichtsschreibung Weber und dessen älterer Amtskollege Francesco Morlacchi gegeneinander für divergierende Lösungsansätze instrumentalisiert. Wie sich beide Vertreter unabhängig von späteren Urteilen, wie z.B. von Morlacchis direktem Amtsnachfolger Richard Wagner, gegenseitig beeinflußten, ist vor dem Hintergrund der an Bedeutung gewinnenden Kirchenmusik am Dresdner Hof exemplarisch darstellbar. Dabei wird versucht, den zugunsten Webers erforschten Blickwinkel durch neuere Forschungen zu Morlacchi und der Italianità in Dresden auszuponderieren.
Katharina Steinbeck (Weimar): Cultural exchange in the 19th century - Reflection of a generic historical phenomenon
Franz Liszt concretised in his demand for amalgamate/conjoining music and literature to a new world literary musical form of expression Franz Brendel’s presage of a new European language of music from the middle of 19th century: the merging of the absolute and pure instrumental music – as romantic-idealistic embodiment of Speaking wordless – with the literature as such kind of arts what bases on language but, at the same time, it points in excess of language as material scaffolding. To realize this conception standing directly in the aesthetic program of the so-called »New German School« was the mission of Liszt and his Symphonic Poems.
In Russia a national-romantic movement was raising at the same time and led also with a recollection of their own folk music and Russian sagas to the compositional procedure to connect music and literature.
On the one hand the Russian circle of composer’s around Mili Balakirev, also known as »The Mighty Handful«, was looking and composing with the intention of an own Russian way of musical language to build up a Russian national identity and to disengage their self from heteronomy and import of western culture. On the other hand the five Russian innovators had also chosen the Symphonic poem as their musical form of expression what was still a western musical genre per se at that time.
My research has especially the intention to illuminate the following question: To what extent the Russian composers since Mikhail Glinka, tried in using their variety of the Symphonic Poem and its precursor, to solve a compositional and historical problem comparable to the musical idea and form of Liszt? The actual position of the musicology will be regarded with a critical view where the Russian compositions are primary classified as compositional reception of Liszt’s idea of form without fundamental proofs.
It is the notion of this essay to provide an insight into the history of musical forms that is independent of the euro-centristical view of musicology for doing a bit more justice to the Russian compositions and its understanding.
Burkhard Meischein (Dresden): Walter Benjamin, Johann Wilhelm Ritter and music
Elements of science and natural philosophy are important aspects of the Romantic discourse on music – i.e. experiments and with them their related philosophical speculations about acoustic phenomena. The physicist Johann Wilhelm Ritter (1776–1810), the scope of whose speculations about correspondences between acoustically perceivable tones and visually perceivable images were far reaching, took an important position here. Taking their similarities as oscillations as a point of departure, Ritter offered remarkable insights into the relationships between the structures of sound on the one hand and immediacy, or pre-reflexivity, on the other. Walter Benjamin displayed a tremendous interest in Ritter’s work and called attention to his theories on sound and music repeatedly; calls that have thus far gone largely unheard in the field of musicology.
Angela Bellia (Bologna): Musical representation in the "Tomba del Tuffatore" at Posidonia (Paestum) (5th century BC)
The archaeological excavations conducted at Posidonia (Paestum) in 1968 led to the discovery of the the »Tomba del Tuffatore« (480-470 B.C). A man had been buried in the tomb and his grave goods, consisting of funerary vases, a stringed instrument, lyre or barbitos, and a double-reed aulos. On the inner surface of the slab, there is a scene with a young man who diving into a stretch water. On the long walls of the tomb is represented a symposium, where ten people, lying on the triclinium beds, are taking part. Some of them are playing the barbitos or the aulos, others are singing, others are calling each other. On the short walls are represented a cup-bearer serving wine, an aulos player and two other men. The images are projected beyond death where a serene and youthful humanity prepares to reach a state of happiness in the afterlife. This happiness consists essentially in prolonging the pleasures of the earthly symposium. This imagerie helps us to understand how music is the greatest pleasure, even after death.
Tiziana Affortunato (Roma): Modality of interaction between text and music in »Roman cantatas« during the seventeenth century
Around the mid seventeenth century, Rome was the centre of a double typology of patronage: a secular one and a religious one both linked together. These particular conditions favored an extraordinary interaction between artistic genres. In particular the vocal chamber of music in this period is seen also to the European circulation of its manuscript sources – as a ‘manifesto’ of social and cultural principles, rather than artistic ones.
Only in recent years scholars have adopted a critical approach about cantata da camera’s texts and today they are seen not as ingenuous social plays, however as witty displays of textual and musical experiments. From this point of view, cantata da camera is more than a contemporary opera. It is a magnifying lens of new artistic possibilities.
The main aim of this paper is to enlighten the peculiar context of “roman cantata” manuscripts of mid seventeenth century and it’s modality of interplay between words and music. This last prospect is seen through three approaches: a textual one, which are considered sets of poesie per musica in manuscripts sources; a musical one, where it will highlight the modality of interaction between poetry and composers and a final prospect which is a biographical one, where archival sources such as (e.g. letters) are considered to detect the author’s awareness of it’s particular artistic genre.
Dominik von Roth (Weimar): Aesthetic reception and fragmentation around 1800. Mignon and Margarete in painting and music
Goethes novel Wilhelm Meisters Lehrjahre along with his drama Faust, der Tragödie erster Teil are even today classified as milestones of German literature as well as they are classics of literary reception. Beyond that the two female figures Mignon and Gretchen offered a remarkable incentive for early 19th century artist's production in painting and music. A nearly uncountable number of drawings, paintings and musical settings has coined very different »pictures« of Mignon and Gretchen.
The relation between Goethe's text with regards to content and its receptions in art and music are one aspect of the paper. Furthermore there will be shown comparability between art and music within their aesthetic effects that - interestingly - often differs in meaning compared to the original text. Structures of visuality and sound consist of relations of absolute aesthetic parameters. The scope of their aesthetic effect is mainly determined by the artwork itself and not by the recipient.
Thus the interdisciplinary construction requires a methodical approach that benefits from the relative autonomy of art to provide a comparability of the same value. The use of a partly phenomenological comparatistic allows excluding historical facts in the first step of analysis. By doing so this method can bring a stimulus into being for a »new« gaze as well as for a »new« listening. Especially for the present times in which the knowledge of literary classics is lessening, but one is faced with massive optical and acoustic effects every day, it is important to know how they work.
Motje Wolf (Leicester): From hearing to listening. A new approach to electroacoustic music
Being able to listen to electroacoustic music is one of the key skills which can help listeners to appreciate it. Although this may be the case for all types of music, electroacoustic music seems to be more challenging having in mind that the listener has just entered a completely new sound world. While Leigh Landy (2004 and 2007) argues that something-to-hold-on-to-factors are important for the reception of electroacoustic music, there must be also a strategy of discovering these factors as Voegelin states: »If the artist’s work exists too far away from a recognisable expression this chasm between recognition and unfamiliarity is too wide to be overcome by the listening activity. The listener feels alienated and abandons his/her engagement.« (Voegelin 2004)
In my PhD project »pedagogical ElectroAcoustic Resource Site« (EARS II) I have developed a curriculum to teach inexperienced listeners (11-14 years old) electroacoustic music. The EARS II curriculum provides the necessary guidance in explaining the key concepts of electroacoustic music on the basis of sound with the aim to enhance appreciation. In this way the learner will be enabled to develop the skills and master the tools needed for finding their way in the sound world of electroacoustic music. Case studies with school classes have been run which indicate that the development of listening skills plays a much greater role than originally thought.
The curriculum focuses on two listening strategies, reduced listening and its antithesis referential listening. Although participants were familiar with some of these listening modes it still seemed to be new to most participants to engage with sounds in this way. In questionnaires and interviews after the case studies participants stated that their listening abilities have changed during the course.
In my talk I will introduce the teaching methods used to teach the development of new listening strategies as well as the case studies in more detail. Furthermore, I will discuss the hypothesis that teaching listening skills is a way to enhance the appreciation of electroacoustic music as being able to listen enables the listener to orientate within a complete new world of sounds.
Andreas Möllenkamp (Leipzig): The computer as musical instrument: music practice and research in the digital mediamorphosis
The present music culture and the modes of music production and reception in particular are subject to a fundamental change. New media and technologies are configuring the ways in which music is produced, appropriated and communicated. With the computer as universal machine, the music world has not only experienced the appearance of new musical instruments, forms of production and ways of distribution, but new lifestyles, scenes, and cultural practices that transform the role of artists as well as the meaning of music in society. This poses a challenge not only for the cultural industries, but for educational and cultural institutions as well as for musicology and points to the necessity for a close analysis of these processes. For musicology, an interdisciplinary field of study arises, where not only notation and sound come into consideration, but materiality as well as mediality of musical communication, forms of knowledge and body techniques. With the computer, new forms of musical communication and socialisation as well as music based identity formations come into being. How do musicians work with music software? Which role does the computer play in their life? And how do new music and new music technologies develop?
The paper will draw on approaches from media archaeology and praxeology to technology and performance studies to discuss, how musicology can deal with the change of hard- and software, interfaces as well as individual configurations and ways of use to describe the relation and dynamic between people, music, technology and society.
Esther Morales-Canadas (Apolda): Elements of Greek and Arab music in Spain within the three cultures
In recent years, the tradition of música andalusí has been thoroughly investigated. A great number of articles and books have tried to prove that music in Medieval Spain was decisively influenced through the Arab invasion. There seemed to be a parallel to poetry, where philologists had drawn this conclusion before in the case of the poetic forms zéjel and harcha.
What was disregarded was the important presence of Greek and Roman culture in the works of philosophers and theorists from the Hispano-Roman part of the population. And, even more important, it was completely ignored that Arab and Jewish theory, poetry and lifestyle of the different groups of the population had the very same roots.
Admittedly, he lack of written music is an obstacle for research. But Christian and Arab treatises show who deeply musical theory was rooted in classical antiquity.
Saint Isidore of Seville’s »Ethymologies« already contains a study about music based on Roman ideas. At the same time Spain saw the immigration of Byzantine people. They brought Hellenistic culture mixed with oriental influences.
When Muslims in 7th century reached Spain, the foundation to a musical tradition had already been laid to a certain extent. It was completed in the era of the Umayyads, especially in the 8th and 9th century through the appearance of the famous singer Ziryab, disciple of al-Farabi and Avicenna who followed Ptolemy’s teachings and the Neoplatonist School. This would determine the style of Spanish music and poetry to a greater extent.
In this lecture the contrasting elements and their effects on different types of music will be discussed and explained on the basis of literature from the period and later.
Christian Storch (Göttingen): Music between proselytization and state propaganda. The influence of Portuguese musical culture in Southeast Asia in the 16th and 17th century
The 16th and parts of the 17th centuries are commonly called the »Portuguese Golden Age«. Discoveries and conquests made the small kingdom on the Iberian peninsula a world power. Music played a major role here, and not only in the courtly context. In particular, Portuguese missionaries – including Franciscans and later also Jesuits - used music with the specific intention of converting the local peoples of conquered areas to Catholicism soon after the discovery of the sea route to India by Vasco da Gama in 1498.
This paper will look at Portugal's musical influence on its colonial centres in South and Southeast Asia in Goa, Melaka, Macao, and East Timor with a special focus on the activities of the (Catholic) church and its associated missions and orders. Church buildings were obligatory in all colonies and their urban centres, and were also to be used for the performance of music.
The aim of the paper is to demonstrate that the colonial power of Portugal had a lasting influence on its conquered areas in Southeast Asia, even though this colonial power began to decline during the 17th century due to the success of the Dutch and English, accompanied by religious conflicts between Catholics and Protestants. Though sources are scarce, the paper will also try to ask what role music played as a medium of missionary and state propaganda. It is part of a post-doctoral project being pursued within the research group »Music, Conflict, and the State« at the Department of Musicology of the Georg-August-Universität Göttingen.
Gilbert Stöck (Leipzig): Tendenzen zeitgenössischer Musik in Portugal in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts
Die Musikgeschichte Portugals steht, wie sehr viele literarische, musikalische und andere kulturelle Tendenzen, oftmals im mächtigen Schatten Spaniens. Ein internationaler musikwissenschaftlicher Diskurs über genuin portugiesische Entwicklungslinien, ästhetische und stilistische Wechselwirkungen mit anderen Staaten bzw. Bestrebungen, sich von solchen Entwicklungen bewusst abzusetzen, fehlt bislang. Die wissenschaftliche Beachtung der Szene zeitgenössischer Musik bildet hierbei, analog zu anderen Ländern, ein besonderes Forschungsdesiderat. Ausführlichere Publikationen, wie die Dissertation von Francisco Monteiro (The Portuguese Darmstadt Generation - The Piano Music of the Portuguese Avantgarde, Dissertation Sheffield 2002) bilden hierbei die Ausnahme, könnten aber als Grundstein für eine nähere Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Musik in Portugal dienen.
Das Referat bietet Einblicke in das Schaffen von Komponisten wie beispielsweise Jorge Peixinho, António Victorino d'Almeida und Sérgio Azevedo, und setzt die unterschiedlichen kompositorischen und stilistischen Entwicklungen in Beziehung zu den besonderen politischen Verhältnisse des Salazarismus. Zudem soll beleuchtet werden, auf welche Art und Weise die Überwindung der Diktatur im Jahre 1974 das kompositorische Schaffen der achtziger und neunziger Jahre prägte.
Stefan Gasch (Wien)/ Rebecca Wolf (Berlin): Zwischen Musik und Geräusch: Szenen vom Sound der Schlacht
Die klangliche Dimension eines kriegerischen Geschehens trifft das menschliche Ohr ebenso wie jedes akustische Ereignis in besonders unmittelbarem Maß, so dass Musik und Geräusch seit jeher eine zentrale Rolle in (realen und fiktiven) Kampfsituationen spielt. Spätestens seit dem ausgehenden 15. Jahrhundert gibt es denn auch Kompositionen mit der Absicht, Schlachten musikalisch darzustellen. Aber erst im Zusammenhang mit dem aufkommenden Interesse an deskriptiven Chansonkompositionen und der außergewöhnlichen Rezeptionsgeschichte von Clément Janequins La guerre/La bataille de Marignan etabliert sich die Gattung der »Battaglia«, die schließlich – trotz des vermeintlichen Gegensatzes – nicht selten Verwendung im religiösen Kontext findet (erinnert sei etwa an den Kampf zwischen Himmel und Hölle oder die Schilderungen des Jüngsten Gerichtes im Dies irae des Requiems).
Bisher standen vor allem Beobachtungen zur Gattungsentwicklung oder verschiedene Aspekte der Konzeption musikalischer Schlachten im Vordergrund. Der Vortrag möchte hier nun einen Schritt weiter gehen und die bisherigen Forschungserkenntnisse mit der Eigenklanglichkeit und der Geräuschwelt des kriegerischen Geschehens konfrontieren. Hierzu scheint es sinnvoll, eine Sensibilität für die Geräuschhaftigkeit der akustischen Umwelt zu entwickeln sowie Theorien zu Lärm und Klanglandschaften mit einzubeziehen. Die Untersuchung von symbolischer Bedeutung akustischer Phänomene führt zudem zum Kontext des verwendeten Instrumentariums. Hatte bereits Athanasius Kircher in seiner Neuen Hall- und Thon-Kunst 1684 Gedankenexperimente zur taktischen Verwendung von Signalinstrumenten angestellt, so wäre zu fragen, ob die Extremsituation der Schlacht eine besondere Nutzung der Musikinstrumente erfordert und schließlich auch, ob die reale Gewalt zu Komposition und Affektgestaltung veranlasst.
Hyesu Shin (Seoul): Parallelwelten? Das Eigene und das Fremde in der Musik Koreas
Die Geschichte der Musik westliocher Prägung beginnt in Korea Ende des 19. Jahrhunderts. Vergleichbar mit der Schnelligkeit der Modernisierung des Landes nach dem Vorbild des Westens wurde auch die zunächst passive Rezeption, dann eine selbstbestimmende Entwicklung westlicher Musik vorangetrieben. In diesem Vortrag wird der Rezeptionsprozess westlicher Musik in Korea an einigen beispielhaften Ereignissen historisch nachgezeichnet. Es wir ein kritischer Überblick darüber geboten, wie Korea in nur etwa 120 Jahren (ca. 1880 - 2000) die mehr als 2000 Jahre währende Geschichte der westlichen Musik hat rezipieren müssen.
Diese Einführung war mehr oder weniger von Koreanern selbst gewollt, aber eine Konfrontation mit der eigenen Musikkultur war unausweichlich. Während westliche Musik aktiv rezipiert wurde, legten traditionelle Musiker mehr Wert auf die Bewahrung der eigenen Tradition. Das mag einer der Gründe gewesen sein, warum westliche Musik in der Musikkultur Koreas immer mehr die führende Rolle spielen konnte. Und obwohl es von Anfang an Versuche gegeben hatte, eine Synthese aus den beiden Musiksprachen zu schaffen, blieben sie voneinander getrennt, was sich heute auch darin manifestiert, dass mit »Musik« sowohl »Yang-ak« als auch »Guk-ak«, mit anderen Worten »westliche Musik« auch als »Musik des Landes« bezeichnet wird.
Aber heute, mit einer jungen Generation, die es ablehnt, dualistisch zu denken, sind in allen Bereichen der Musik Anzeichen sichtbar, die einen Paradigmenwechsel ankündigen. Ob es ihr gelingen könnte, neue Möglichkeiten für das 21. Jahrhundert zu eröffnen? Auf diese Frage eine Antwort zu versuchen, damit wird diese Vortrag abgeschlossen.
In-Shun Shin (Seoul): Per »Rezeption« ad »Evolution« in Werken koreanischer Komponisten
In diesem Vortrag werden einige ausgewählte Musikbeispiele von koreanischen Komponisten analysiert und damit konkretisieren, welchen historischen Prozess koreanische Komponisten durchgemacht haben, um eine Musiksprache zu schaffen, mit der sie nicht nur in Korea verstanden werden können, sondern mit der gesamten Welt kommunizieren möchten.
In der ersten Phase der Rezeption westlicher Musik haben Komponisten wie Hong, Nan-pa (1898-1941), Kim, Dong-Jin (1913-2009) und La, Unyung (1922-1994) Lieder geschrieben, deren Texte einen »koreanischen Geist« enthielten, deren Melodien jedoch einen Kompromiss aus westlicher Tonalität und traditionellen koreanischen Tonsystemen darstellten. Doch bald begannen Komponisten wie Yun, Isang (1917-1995), Kim, Soon-Nam (1917-1986) und La, Unyung durch eine intensivere Verwendung traditioneller Elemente Musik zu schreiben, die sich in ihren wesentlichen Eigenschaften von der westlichen Komponisten unterscheiden sollte. Einen anderen Versuch unternahm zum Beispiel La, Unyung, der eine Theorie schuf, die die harmonische Fortschreitung von der melodischen Linienführung bestimmt sein lässt. In den 1980er Jahren, die von einer tiefgreifenden Diskussion darüber geprägt waren, wie die traditionelle Musik in der westlichen Musiksprache weiterentwickelt werden könnte, komponierten Lee, Geon-Yong (1947- ), Yi, Man-Bang (1945- ), Hwang Byungki (1936- ) u.a., die sowohl in westlicher als auch in traditioneller Musik ausgebildet waren, für »verwestlichte« traditionelle Instrumente und versuchten über diesen Weg eine Verschmelzung der beiden Musiksprachen.
Solche und andere kompositorische Versuche zielen letztlich darauf hin, über die engen Grenzen einer »Nationalmusik« hinausgehend, eine der Zeit und den koreanischen Verhältnissen angemessene Musik zu schaffen.
Oyeon Kwon (Seoul): Untersuchungen zu Veränderungen im Tonsystem der traditionellen koreanischen Musik durch den Einfluss westlicher Musik und deren Auswirkung auf ihre Zukunft
Westliche Musik, die in Korea seit Ende des 19. Jahrhunderts bekannt wurde, hat heute fast die traditionelle verdrängt, sodass Koreaner unter dem Begriff »Musik« zuerst an westliche, und nicht mehr an die eigene denken. Es ist eine unleugbare Tatsache, dass es im Alltag auch mehr Gelegenheiten und Möglichkeiten gibt, westliche Musik zu hören. Man könnte fast sagen, dass Koreaner mehr und mehr ihre eigene Musikkultur vergessen. Die Musiker traditioneller Musik wachsen auch wie alle anderen in einer Umgebung auf, in der sie leichter westliche, als koreanische Musik zu hören bekommen, lernen an Schulen Beethoven und Mozart und sind auch heute täglich von westlicher Musik umgeben. Daher ist es auch ihnen nicht leicht, die Eigenschaften der traditionellen koreanischen Musik zu bewahren. Das zeigt sich u.a. an den Veränderungen des traditionellen Tonsystems. Nach einigen Studien sollen junge Musiker ihre traditionellen Instrumente fast nach der wohltemperierten Stimmung spielen, ohne dass das ihnen bewusst ist.
In diesem Referat wird die Untersuchung über das von den traditionellen Musikern gegenwärtig genutzte Tonsystem (bzw. Intervalle) durchgeführt. Die Entfernung zwischen dem gegenwärtig genutztem Tonsystem und dem Tonsystem der ursprünglichen Art deutet darauf hin, dass die traditionelle Musik Koreas dabei ist, einen grundsätzlichen Wandel durchzumachen. Aus diesem Grund könnte man sagen, dass die traditionelle koreanische Musik durch die Einführung westlicher Musik in eine Identitätskrise geraten ist. Aber diese Krise könnte als Neubeginn oder Notwendigkeit begriffen werden, die es der traditionellen Musik erlaubt, aus ihrer hermetischen Isolation auszubrechen und auf die Bedürfnisse junger Koreaner, die mit westlicher Musik vertrauter sind, einzugehen und darüber hinaus mit westlicher Musik eine neue Verschmelzung eingehen.
Hee Ju Ham (Seoul): Gegenwart und Zukunft der schulischen Musikerziehung in Korea
Als in Korea zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine systematisierte Schulerziehung nach dem Vorbild des Westens eingeführt wurde, war die Musikerziehung hauptsächlich an westlicher Musik und westlichen Erziehungsmethoden orientiert. Ihr Anteil nahm während der japanischen Kolonialherrschaft verstärkt zu, weil Japan eine Politik betrieben hatte, die die koreanische Kultur ausrotten sollte, und daher die Verbreitung westlicher Musik systematisch gefördert hatte. Dies führte dazu, dass traditionelle koreanische Musik nicht nur aus dem Lehrplan der Schulen verschwand, sondern auch allmählich dem Volk entfremdet wurde – mit gravierenden Folgen. Denn auch nach 1945 wurde an Schulen hauptsächliche westliche Musik unterrichtet, und dieser Lehrplan wurde bis Ende der 1970er Jahre in seinen Grundzügen beibehalten. Erst in den 1980er Jahren wurde das politische Bewusstsein für den Schutz der eigenen Kultur geschärft, so dass der Anteil traditioneller Musik am Lehrplan immer weiter zunehmen konnte. Die 1998 zum 7. Mal revidierte Fassung des Lehrplans für die Primar- und Sekundarstufen schreibt den Anteil traditioneller Musik auf 33,4% fest.
Der Vortrag wird an den drei Aspekten »musikalische Identität“, »Musikkultur« und »Musik im Alltag« darlegen, mit welchen Problemen die Schulerziehung Koreas konfrontiert ist, aber auch welche Veränderungen zur Zeit beobachtet werden können. Es soll eine kritische Abrechnung mit der »westlichen« Musikerziehung an koreanischen Schulen (Primar- und Sekundarstufen) sein und gleichzeitig eine behutsame Hypothese darüber darstellen, welcher Wandel gerade aufgrund solcher Probleme herbeigeführt werden könnte, den die heutige Zeit erfordert, die durch »Globalisierung« auf der einen und von »Regionalisierung« auf der anderen Seite gekennzeichnet ist.
Hee Sook Oh (Seoul): Suche nach einer neuen Identität - Die Tendenzen neuerer Musikforschung in Korea
In der Rezeption westlicher Musik in Korea stand das Instrumentspiel stets im Zentrum. Erst in den 1980er Jahren beginnt mit der Rückkehr derjenigen, die im Ausland Musik nicht als praktisches, sondern als wissenschaftliches Fach studiert haben, die eigentliche Geschichte der westlich geprägten Musikwissenschaft. In diesem Referat soll ein Überblick über diese Geschichte der koreanischen Musikforschung gegeben werden, wobei die Kontur einer neueren Forschungstendenz im 21. Jahrhundert sichtbar gemacht werden soll.
Die musikwissenschaftliche Arbeit in Korea lässt sich in zwei große Strömungen unterteilen. Die eine Strömung entspringt aus jenen Wissenschaftlern, die im Anschluss an Methoden und Ergebnisse westlicher Musikwissenschaft arbeiten. Die andere Strömung bilden Wissenschaftler, die aus dem nationalen Kontext heraus nach einer Möglichkeit suchen, eine »koreanische Musikwissenschaft« zu begründen.
Während diese beiden Tendenzen von der ersten Stunde an nebeneinander existierten, wurde inzwischen an einigen Universitäten ein musikwissenschaftliches Fach eingerichtet. So hat sich die koreanische Musikforschung sowohl quantitativ als auch qualitativ seit den 1980er Jahren rapide entwickeln können.
Heute gibt es aber immer mehr Versuche, die Trennung zwischen den oben genannten beiden Tendenzen zu überwinden und gleichsam nach einem »dritten Weg« zu suchen. Langsam sieht man keinen Sinn mehr darin, sich ausschließlich mit der eigenen nationalen Identität auseinanderzusetzen, und man begnügt sich auch nicht mehr damit, unreflektiert mit der Forschung im Westen verbunden zu bleiben. In diesem Referat werden diese neueren Tendenzen in der koreanischen Musikforschung vorgestellt und anschließend wird es der Frage nachgehen, welchen Weg die koreanische Musikforschung in diesem Jahrhundert einschlagen sollte.
Daniel Siebert (Berlin): Adaptations of Jamaican Ska-music within the skinhead subculture in the UK
»Globalization« is often regarded as a distinguishing mark of the present time. In the following presentation, I intend to discuss how an increasing global integration has an impact on musical forms and the respective ideologies they represent. For this purpose, I will focus on the specific example of Ska-music.
In the second half of the 20th century, Jamaican Ska-music underwent a remarkable transformation due to the influence of its new surroundings on the British Islands. Brought by the migration of Jamaican guest workers to the United Kingdom, Ska-music was adapted by the local skinhead-subculture and translated into a new cultural context. Intimately tied to a new transnational identity, this transcultural connection must be regarded against the global background of an economically determined wave of migration and a changing musical culture. Apart from content references to a growing Skinhead audience in the UK, Ska-music continued to be determined to a large extent by topics and musical parameters brought from Jamaica. However, it still became an essential feature of the musical identity for the predominantly white and working class skinhead subculture, leading to a kind of »disembedded« musical transformation.
In what follows, I aim at showing how the described connection came about. In doing so, I will also illustrate the ideological problems and analogies between the Jamaican guest workers and the skinhead-subculture that are present in Ska-music.
Martin Lücke (Berlin): The decline of the classical music industry!?! - A survey
Music can be heard everywhere. Whether in the car, in a mall, of course at home or through iPod & Co. at any place. Seldom so much music has been consumed as in today's world. At the same time, since 1999, the music industry is in a serious economic crisis. Triggered by the digitization, the record companies are suffering for almost ten years with massive revenue losses. Simultaniously the event, the merchandising and sponsoring business notifies rising sales.
In my presentation I would like to discuss the question with what specific problems the classical music industry had to struggle in the last years. But fact is, the amount of classical music at the (German) recorded music market has remained constant in the last decade and even increased by ten percent in 2009!
Nils Grosch (Freiburg): Mobile music: outlining its theory and media history
Scholars of different academic disciplines such as urban studies, history of technology as well as popular music studies, tend to trace back the mobility of sounding, particularly of musical phenomena, to the emergence of tertiary media and the so called »promise of mobility«, provided by 20th century reproduction For instance, Walkmans, mp3-players, and iPods appeared to enable that »for the first time in history the majority of citizens in Western culture possess the technology to create their own private mobile auditory world wherever they go«, as Michael Bull has put it.
Taking into account the history of music storage and reproduction media back to the 16th century, I intend to separate the phenomenon of mobile music from this particular 20th century perspective on modern media technology. Early modern small prints, 19th century barrel organs and other mobile music storage media give evidence that possibilities and cultural practices of mobile music existed much earlier. These compile popular repertoires whose structure and use has a lot in common with digital music player libraries.
Nora Krahl (Essen): Wie Emotion Struktur formt. Zur Sprachverwendung in früher elektronischer Musik in Italien.
In the mid twentieth century composers started dealing with electronic music in combination with the usage of voice sounds and phonemes, respectively emotional expressions as laughing, moaning or shrieking. Luciano Berio composed his second of those pieces Visage 1961 shortly after Bruno Maderna’s Dimensioni II, Invenzione su una voce (1959/60) at Studio di Fonolgia della RAI Milano. Their compositions are on the one hand based on the emotional »denotation« of human expressions – the lack of an abstract language leads to intense connotations – on the other hand these sounds are examined by sound colors and envelope shapes whereby providing structural foundation for form aspects. Aural analyses will show, how the composers use those different characters of single sound objects in relation to the global structure.
Andreas Domann (Berlin): German-speaking musicology and the New musicology. Aspects of a nonexistent relationship
When Joseph Kerman published his Contemplating Music in the 1980s, he was the first to suggest methods in musicology that were different from the »old« positivistic approach to music history and the »old« formalistic music theory. His influential study was the starting point of new ways in music research, which today are an integral part of the North American musicology. The New Musicology tries to understand music not as a kind of an »objective« structure or as an »autonomous« work but as situated in the world of those who compose, perform, and listen. All the personal experiences of the listener and the knowledge of the composer's biography should be taken into account in order to translate a musical structure into something like a narrative.
German speaking musicologists did not pay much attention to their American counterparts. So my first question is, why do they neglect widely accepted parts of contemporary musicology and do not regard these methods as a chance to find new ways in understanding music? I suggest that the reasons for this lack of reception are caused by the historical development of the German speaking musicology and its political background. The second is the following: Was the New Musicology really the first to understand music in a larger social and cultural context?